विजयराज बोधनकर की कलाः ध्वनि का चित्रण

कला विचार- डॉ. वेद प्रकाश भारद्वाज

जो ज़िंदगी हम पहले ही जी चुके हैं, वह हमेशा के लिए अतीत का हिस्सा बन चुकी है, जबकि जो ज़िंदगी अभी जीनी बाकी है, उसकी अहमियत कहीं ज़्यादा है। जो हमारा इंतज़ार कर रहा है, वह हमेशा नया होता है—कुछ ऐसा जो पहली बार सामने आ रहा है—फिर भी यह यादों, अनुभवों और परंपरा से गहराई से जुड़ा हुआ है। इस विरोधाभास के बावजूद, इंसान लगातार दुनिया को नए सिरे से समझने की कोशिश करता है, अस्तित्व को फिर से अनुभव करने की कोशिश करता है, जैसे कि वह इतिहास के बोझ से मुक्त हो। जीवन को नए सिरे से देखने और जीने की यह कोशिश सिर्फ़ मनोवैज्ञानिक नहीं है; यह कलात्मक भी है। विजयराज बोधनकर की कला में हमें इसका साफ आभास मिलता है। इतिहास और परंपराओं के साथ ही ध्वनि का बोध, जो वस्तुतः स्मृति का बोध भी है, उनकी कला के केंद्र रहे हैं।

 

विजयराज बोधनकर की कला यात्रा मानव आकृति को मुख्य विषय बनाकर शुरू हुई, जिसमें उनका काम कहानी, शारीरिकता और सांस्कृतिक स्मृति पर आधारित था। हालाँकि, समय के साथ, उनके काम में धीरे-धीरे एक निर्णायक बदलाव आने लगा जो रूप से अमूर्तन की तरफ जाता है, जो ध्वनि के अमूर्त प्रतिनिधित्व की ओर बढ़ता दिखाई देता है। यह विकास उनकी कलात्मक दृष्टि में एक महत्वपूर्ण मोड़ है। ध्वनि—अमूर्त, क्षणभंगुर और निराकार—विषय और माध्यम दोनों बन जाती है, जो उनके काम को दृश्य दुनिया से परे संवेदना और बोध के दायरे में ले जाती है। उनकी हाल की पेंटिंग किसी शाब्दिक अर्थ में ध्वनि को चित्रित नहीं करती हैं; बल्कि, उसे ऐसा अमूर्त रूप देने की कोशिश हैं, जिसमें ध्वनि अपने भाषिक रुप की सीमाओं से मुक्त होकर अनुभूति के स्तर पर एक नया अनुभव बन जाती है। 

अपनी काम करने की प्रक्रिया में, विजयराज अक्सर रंग की घनी, परतदार अमूर्त संरचनाओं से शुरुआत करते हैं। ये शुरुआती परतें समृद्ध, बनावट वाली और भावनात्मक रूप से भरी होती हैं। उनमें चमकदार रंगों की उपस्थिति जैसे जीवन के तात्कालिक अस्तित्व को व्यक्त करती है। जैसे-जैसे काम आगे बढ़ता है, वह धीरे-धीरे हल्के रंगों की पतली परतों का प्रयोग शुरु करते हैं,   खासकर अंतिम परतों में सफेद रंग की पारदर्शी परतें लगाते हैं। चित्र में रंगों को हल्का करने का यह काम सिर्फ़ सौंदर्यपूर्ण नहीं है; यह वैचारिक है। कुछ ऐसा जैसे मनुष्य देह के भार से मुक्त होकर आत्मा की भारहीन अवस्था में चला जाए। इस तरीके से, दृश्य और अदृश्य के बीच, जो प्रकट होता है और जो छिपा रहता है, उसके बीच एक नाजुक संवाद स्थापित होता है। सतह के नीचे की गहरी परतें निशानों के रूप में बनी रहती हैं, जो स्मृति, समय और संचित अनुभव का संकेत देती हैं। जो उभरता है वह एक ऐसा दृश्य क्षेत्र है जो वास्तविक और मायावी दोनों है, ठीक ध्वनि की तरह ही।

इस तालमेल को स्मृति-जागरूकता के एक रूप के रूप में समझा जा सकता है। विजयराज बोधनकर ध्वनि के निराकार अस्तित्व का पता लगाते हैं—अर्थ से पहले शब्द, उच्चारण से पहले कंपन—जबकि परंपरा से गहराई से जुड़े रहते हैं। प्रत्येक पेंटिंग एक खोज बन जाती है: स्वयं की, अपनी लौकिक स्थिति की, और तेज़ी से शोरगुल वाली और ध्वनि से भरी दुनिया में  मौन अस्तित्व की। मीडिया, टेक्नोलॉजी और शहरी जीवन से लगातार मिलने वाले ऑडियो स्टिमुलस के इस दौर में, उनका काम आवाज़ के साथ एक शांत, ज़्यादा चिंतनशील जुड़ाव को बढ़ावा देता है, जिसे बाहरी डिस्टर्बेंस के बजाय एक अंदरूनी अनुभव के रूप में देखा जाता है।

जिस परंपरा से विजयराज बोधनकर आते हैं, वह इस खोज को आकार देने में अहम भूमिका निभाती है। वह सचित्र पांडुलिपियों के निर्माण से जुड़े वंश से आते हैं, यह एक ऐसी प्रथा है जो उन्हें अपने पूर्वजों से विरासत में मिली है। ये पांडुलिपियाँ सिर्फ़ सजावटी वस्तुएँ नहीं थीं; वे ज्ञान, स्मृति और सांस्कृतिक निरंतरता का माध्यम थीं। अपने शुरुआती कामों में, उन्होंने सीधे इसी विरासत से प्रेरणा ली, और अपनी रचनाओं में इंसानी आकृतियों, पांडुलिपि-शैली की चित्रकारी और लिपि को शामिल किया। इस चरण में, लिपि ने दृश्य-तत्व और अर्थ के वाहक, दोनों के रूप में काम किया।

शुरुआत में, उनकी पेंटिंग्स में लिखी हुई बातें साफ़ पढ़ी जा सकती थीं, जिससे देखने वाले अक्षरों और शब्दों को पहचान पाते थे। लेकिन समय के साथ, ये लिखावटें घुलने लगीं, धीरे-धीरे आकार से निराकार की ओर बढ़ने लगीं। यह बदलाव एक गहरी दार्शनिक अवस्था को दिखाता है। लिखावटें, अपने मूल रूप में, आवाज़ का चित्रात्मक प्रतिनिधित्व हैं—दृश्य प्रतीक जो बोली जाने वाली बात को संरचना देते हैं। लिखावट को रूप से मुक्त करके विजयराज  आवाज़ को भाषाई बंधन से आज़ाद करते हैं, जिससे वह शुद्ध भावना के रूप में मौजूद रह सके। उनके शुरुआती कामों में, पहचानने योग्य अक्षर एक समकालीन दृश्य भाषा में खोई हुई या धुंधली पहचान को फिर से बनाने का एक ज़रिया थे। उनके हाल के कामों में, पढ़ने में आसानी की कमी एक ज़्यादा सार्वभौमिक, अनुभवात्मक अनुभव के लिए जगह बनाती है।

विजयराज बोधनकर ने अक्सर समकालीन जीवन में परंपरा और यादों से बढ़ते अलगाव के बारे में चिंता जताई है। डिजिटल संचार और सोशल मीडिया से बने इस युग में, लिखित शब्द तेज़ी से हाशिये पर जा रहे हैं। आज, लोग टेक्स्ट के बजाय तस्वीरों और आवाज़ों से ज़्यादा जुड़ते हैं। यहाँ तक कि दृश्य संस्कृति में भी, सुनना अक्सर देखने पर हावी रहता है। हालांकि, सुनने का काम अक्सर निष्क्रिय होता है। क्या सुनने वाला कोई सक्रिय भूमिका निभाता है या जुड़ाव की गहराई बनाए रखता है, यह सवाल बना रहता है। इसके विपरीत, पढ़ना दिमाग से एक सक्रिय भूमिका की मांग करता है। इसके लिए व्याख्या, कल्पना और एकाग्रता की ज़रूरत होती है। यह सक्रिय मानसिक भागीदारी ही है जिसे विजयराज अपनी पेंटिंग्स के ज़रिए वापस लाना चाहते हैं।

भाषा का लिखित रूप यानी लिपि इंसान की आवाज़ को देखने की सबसे शुरुआती कोशिश को दिखाती है, लेकिन जब आवाज़ को लिखावट से आज़ाद करके पेंटिंग में बदला जाता है, तो यह एक अमूर्त, गैर-प्रतिनिधित्वात्मक अस्तित्व हासिल कर लेती है। आवाज़ को मौजूद रहने के लिए अर्थ की ज़रूरत नहीं होती; इसे पूरी तरह से कंपन, लय या भावना के रूप में अनुभव किया जा सकता है। विजयराज का काम इस मौजूदगी को महसूस कराता है। उनकी पेंटिंग्स किसी तय संदेश को बताने की कोशिश नहीं करतीं; इसके बजाय, वे अनंत औपचारिक और भावनात्मक संभावनाओं के साथ सामने आती हैं। वह अक्सर अपने काम को "घ्वनि को पेंट करना" बताते हैं, इस बात पर ज़ोर देते हैं कि ध्वनि—न कि छवि या कहानी—उनके काम का वैचारिक मूल है।

इतिहास में कलाकारों ने ध्वनि को अलग-अलग तरीकों से दिखाने की कोशिश की है, वैज्ञानिक ग्राफ़ से जो फ़्रीक्वेंसी और कंपन को दिखाते हैं, से लेकर संगीत और लय के प्रतीकात्मक प्रतिनिधित्व तक। इन कलाकारों में, वासिली कैंडिंस्की एक अहम जगह रखते हैं। कैंडिंस्की ने संगीत की धुनों को अमूर्त रचनाओं में बदला, रंग और रूप को आवाज़ के बराबर बनाया। उनके लिए, संगीत को पेंट करना एक आध्यात्मिक काम था, भौतिक अस्तित्व से पारलौकिकता की ओर मूवमेंट करना। आवाज़, जिसे कंपन के रूप में समझा जाता है, भौतिक और आध्यात्मिक के बीच एक पुल बन गई।

विजयराज बोधनकर कलाकारों के बीच किसी तरह की तुलना को उचित नहीं मानते। वह कहते हैं कि प्रत्येक कलाकार का अपना अनुभव होता है जिसके अनुरूप वह रचना करता है। इसलिए कैंडिंस्की की कला में संगीत के चित्रण की चर्चा करने पर वह  कैंडिंस्की की उपलब्धियों को दोहराने का दावा नहीं करते, लेकिन रंग और एब्स्ट्रैक्शन के माध्यम से ध्वनि सुनने की आकांक्षा साझा करते हैं। वह कहते हैं कि कैंडिंस्की महान कलाकार थे जिन्होंने अपने समय में कला को एक नई दिशा दी। वह कहते हैं कि उन्हें कैंडिंस्की के साथ ही पॉल क्ली के कामों में भी ध्वनि का चित्रण दिखाई देता है, पर यह मेरा व्यक्तिगत अनुभव है। हालांकि, उनका दृष्टिकोण यादों में गहराई से निहित है - व्यक्तिगत और सामूहिक दोनों। इंसान अनगिनत यादें, दृश्य और श्रव्य दोनों तरह की यादें साथ लेकर चलता है, फिर भी कई सुप्त या अनदेखी रह जाती हैं। इन यादों को जगाकर,  वह दर्शक के वर्तमान क्षण का विस्तार करना चाहते हैं। यादों के बिना, जीवन गहराई और निरंतरता खो देता है। इस प्रकार उनकी पेंटिंग ऐसी जगहें बन जाती हैं जहाँ यादें फिर से उभर सकती हैं, गूंज सकती हैं और बदल सकती हैं।

फ्रेंच दार्शनिक और लेखक वोल्टेयर ने एक बार कहा था कि कलाकार भावनात्मक अवस्थाओं को जगाने के लिए रंग, बनावट और संरचना का उपयोग करते हैं - सपनों के लिए हल्के रंग, स्पष्टता या तीव्रता के लिए गहरे रंग।  यह सिद्धांत बोधनकर के काम में स्पष्ट रूप से दिखाई देता है। रंगों का उनका संयमित उपयोग, विशेष रूप से गहरे आधार पर हल्के रंगों की परतें, पेंटिंग को बहुत ज़्यादा अभिव्यंजक या भारी होने से रोकती हैं। साथ ही, सतह के नीचे छिपी हुई परतें भावनात्मक अवशेषों का संकेत देती हैं - विचार और भावनाएँ जो समय के साथ फीकी पड़ सकती हैं लेकिन पूरी तरह से कभी गायब नहीं होतीं। वे बनी रहती हैं, जब परिस्थितियाँ अनुमति देती हैं तो फिर से उभरने का इंतजार करती हैं।

अपने शुरुआती कामों में, बोधनकर अक्सर आध्यात्मिक और दार्शनिक विचारों को व्यक्त करने के लिए संरचना, कथा और प्रतीकात्मक रूप पर निर्भर रहते थे। हालांकि इन तत्वों ने स्पष्टता प्रदान की, लेकिन उनमें व्याख्या को सीमित करने का जोखिम भी था। अपनी हाल की पेंटिंग में, उन्होंने जानबूझकर ऐसी बाधाओं से दूरी बना ली है। इसके लिए वह संरचना के स्तर पर अमूर्तन का अधिक प्रयोग करते हैं। इतना ही नहीं, उनके नवीनतम कामों में टैक्सचर अधिक प्रभावशाली तरीके से सामने आता है। अंतिम परत के रूप में कई बार रंग की मोटी परतें अव्यवस्थित लिपि का आभास देती हैं। इस प्रकार पहचानने योग्य रूपों या स्पष्ट प्रतीकों से बचकर, वह दर्शकों को काम के साथ जुड़ने की अधिक स्वतंत्रता देते हैं। पेंटिंग दृश्य साउंडस्केप के रूप में काम करती हैं - खुले, तरल वातावरण जिनके माध्यम से दर्शक अपने अनुभवों और भावनाओं से निर्देशित होकर अपने अतीत और वर्तमान, दोनों के बीच यात्रा कर सकते हैं।

यह सवाल कि क्या संगीत के सुरों को वास्तव में रंगों के माध्यम से व्यक्त किया जा सकता है, नया नहीं है, फिर भी यह अनसुलझा है। हालांकि, यह निश्चित है कि पेंटिंग में लय मौजूद होती है, ठीक वैसे ही जैसे संगीत में होती है। यह लय रंग, रूप और संयोजन की व्यवस्था से उभरती है। कैंडिंस्की के काम में, लय अक्सर ज्यामितीय आकृतियों और गतिशील संरचनाओं के माध्यम से प्रकट होती थी। इसके विपरीत, बोधनकर ज्यामितीय कठोरता से बचते हैं। उनके अमूर्त चित्र संरचनात्मक घनत्व की बजाय भावनात्मक या वायुमंडलीय परिदृश्यों से मिलते-जुलते हैं।

इस दृष्टिकोण के माध्यम से, विजयराज बोधनकर की कला में रूप दृश्य ध्वनि में बदल जाता है। ध्वनि अब पढ़ने या व्याख्या करने की चीज़ नहीं रह जाती; यह महसूस करने की चीज़ बन जाती है। उनकी पेंटिंग व्याख्या के बजाय चिंतन, कथा के बजाय संवेदना को आमंत्रित करती हैं। परिभाषा से रूप को आज़ाद करके, वह आवाज़ को एक प्योर अनुभव के रूप में मौजूद रहने देते हैं - असीमित, गूंजने वाला, और बहुत पर्सनल। ऐसा करके, विजयराज बोधनकर न सिर्फ़ अपनी कला को एक नई दिशा देते हैं, बल्कि यादों, परंपरा और आज की ज़िंदगी के अनदेखे पहलुओं से जुड़ने का एक नया तरीका भी पेश करते हैं।