कला में प्रकृति की सुंदरताः डॉ वेद प्रकाश भारद्वाज

क्लाउड मॉनेट की एक रचना

प्रकृति की सुंदरता को उजागर करना सदैव से भूदृश्य चित्रकारों (Landscape Painters) की प्रमुख चिंता रही है। विभिन्न कालखंडों और संस्कृतियों में कलाकारों ने केवल प्रकृति के दृश्य रूप को ही नहीं, बल्कि उसकी भावनात्मक गहराई, आध्यात्मिक अनुभूति और बदलते स्वभाव को भी अभिव्यक्त करने का प्रयास किया है। इस उद्देश्य की पूर्ति के लिए उन्होंने अनेक कलात्मक शैलियों का अन्वेषण किया, जिनमें यथार्थवादी (Realistic) और अमूर्त (Abstract) शैली विशेष रूप से महत्वपूर्ण हैं। ये दोनों दृष्टिकोण प्रकृति की व्याख्या के अलग-अलग तरीके प्रस्तुत करते हैं, जिनके माध्यम से कलाकार अपने अनुभव और संवेदनाओं को अभिव्यक्त करते हैं।

वसली कंडेंस्की की रचना

यथार्थवादी परिदृश्य चित्रकला का उद्देश्य प्रकृति को यथासंभव वास्तविक रूप में प्रस्तुत करना होता है। इस शैली में कार्य करने वाले कलाकार प्रकाश, छाया, रंग और बनावट जैसे सूक्ष्म विवरणों का गहन अध्ययन करते हैं, ताकि दृश्य को सटीकता के साथ चित्रित किया जा सके। परिदृश्य कला में यथार्थवाद का उत्कृष्ट उदाहरण क्लाउड मॉनेट Claude Monet की कृतियों में देखा जा सकता है। यद्यपि उन्हें प्रायः इम्प्रेशनिज़्म से जोड़ा जाता है, फिर भी उनकी प्रसिद्ध “Water Lilies” श्रृंखला प्रकृति के प्रकाश और वातावरण के सूक्ष्म अवलोकन को दर्शाती है। इसी प्रकार John Constable अंग्रेज़ी ग्रामीण परिवेश के विस्तृत चित्रण के लिए प्रसिद्ध हैं, जहाँ बादल, वृक्ष और नदियाँ अत्यंत सजीव रूप में दिखाई देती हैं। उनकी प्रसिद्ध कृति The Hay Wain ग्रामीण जीवन और प्रकृति के सामंजस्य के प्रति गहरी संवेदना को व्यक्त करती है।

परमजीत सिंह की एक रचना

किन्तु केवल यथार्थवाद प्रकृति के सम्पूर्ण सार को अभिव्यक्त नहीं कर सकता, क्योंकि प्रकृति निरंतर परिवर्तनशील है और अक्सर व्यक्तिगत भावनाओं को जागृत करती है। यही वह स्थान है जहाँ अमूर्त परिदृश्य चित्रकला महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है। अमूर्त कलाकार प्रत्यक्ष दृश्य प्रस्तुति से आगे बढ़कर प्रकृति के वातावरण, ऊर्जा और आत्मा को व्यक्त करने का प्रयास करते हैं। उदाहरणस्वरूप विंसेंट वेन गॉग Vincent van Gogh ने अपनी प्रसिद्ध कृति स्टेरी नाइट Starry Night में गहरे रंगों और सशक्त ब्रश स्ट्रोक्स के माध्यम से रात्रि आकाश की भावनात्मक तीव्रता को अभिव्यक्त किया। उनका चित्रण प्रकृति को केवल दृश्य अनुभव न बनाकर एक गहन भावनात्मक अनुभूति में परिवर्तित कर देता है।

निकोलस रोरिख की रचना

बीसवीं शताब्दी में अमूर्तन और अधिक प्रभावशाली हो गया। वस्ली कंडेंस्की Wassily Kandinsky जैसे कलाकारों का मानना था कि कला का उद्देश्य बाहरी वास्तविकता का चित्रण करना नहीं, बल्कि आंतरिक अनुभूतियों को जागृत करना है। यद्यपि उनकी कृतियाँ पारंपरिक परिदृश्यों जैसी प्रतीत नहीं होतीं, फिर भी वे प्रकृति के रूपों, रंगों और लयों से प्रेरित हैं। आकृतियों और रंगों के माध्यम से कांडिंस्की ने प्रकृति के सार को आध्यात्मिक और प्रतीकात्मक रूप में व्यक्त करने का प्रयास किया।

राम कुमार की एक रचना

परिदृश्य चित्रकला में यथार्थवादी और अमूर्त शैलियों का सह-अस्तित्व यह दर्शाता है कि कलाकार प्रकृति को समझने और प्रस्तुत करने के लिए कितने विविध दृष्टिकोण अपनाते हैं। यथार्थवादी चित्र दर्शकों को परिचित दृश्यों से जोड़ते हैं, जबकि अमूर्त कृतियाँ उन्हें प्रकृति को अधिक गहन और व्यक्तिगत स्तर पर अनुभव करने के लिए प्रेरित करती हैं। दोनों ही दृष्टिकोण महत्वपूर्ण हैं, क्योंकि वे हमारी प्राकृतिक संसार के प्रति समझ और संवेदना को विस्तृत करते हैं।

https://artnewsindia.com/2026/05/12/beauty-of-nature-in-art/

सूर्य प्रकाश की एक रचना

भारतीय कला में भी लोककला से लेकर समकालीन कला तक, कलाकार सदैव प्रकृति की सुंदरता और उसकी आध्यात्मिकता को उजागर करने का प्रयास करते रहे हैं। निकोलस रोरिख जैसे कलाकारों ने प्रकृति में निहित सौंदर्य और आध्यात्मिक तत्वों पर विशेष ध्यान दिया। कलाकार भवेश सान्याल, परमजीत सिंह, सतीश चंद्रा तथा सूर्य प्रकाश अपनी परिदृश्य चित्रकला के माध्यम से प्रकृति की सुंदरता और रहस्यमयता का अन्वेषण करते हैं। राम कुमार ने अपने अमूर्त परिदृश्यों में बनारस की आध्यात्मिकता को अभिव्यक्त किया, जबकि विमल चंद ने अपनी चित्रकला में प्रकृति के रहस्य को खोजने का प्रयास किया। अनेक अन्य कलाकार भी अपने परिदृश्य चित्रों में प्रकृति के विविध आयामों की खोज कर रहे हैं।

विमल चंद की रचना

इस प्रकार, प्रकृति की सुंदरता आज भी परिदृश्य चित्रकला का एक केंद्रीय विषय बनी हुई है, जो कलाकारों को यथार्थवादी और अमूर्त दोनों शैलियों में निरंतर प्रयोग करने के लिए प्रेरित करती है। यथार्थवाद के माध्यम से कलाकार प्रकृति के बाहरी स्वरूप को चित्रित करते हैं, जबकि अमूर्तन उन्हें उसकी भावनात्मक और आध्यात्मिक गहराइयों को व्यक्त करने का अवसर प्रदान करता है। ये दोनों शैलियाँ मिलकर परिदृश्य कला की परंपरा को समृद्ध बनाती हैं और हमारे आसपास की दुनिया के प्रति हमारी संवेदना को और अधिक गहरा करती हैं।

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यदि कला अर्थ से मुक्त है तो......?

कला विचार

अर्पिता सिंह की एक रचना।

यदि कला अर्थ से मुक्त है तो फिर किसी कलाकृति के शीर्षक की क्या आवश्यकता है? और किसी प्रदर्शनी का कोई नाम देने या उसके लिए क्यूरेटर की और उसके लेखन की क्या जरुरत है? यदि कला अर्थ से मुक्त है, संदर्भ से मुक्त है, और उसे पढ़ने की आवश्यकता नहीं है तो कोई व्यक्ति किसी गैलरी में पेंटिंग या शिल्प देखने आए ही क्यों? क्योंकि जो कुछ वह पेंटिंग में देखेगा वह तो वैसे भी उसके दृश्य-अनुभव का हिस्सा है। नदी, पहाड़, पेड़, मनुष्य, पशु-पक्षी, इन सबको तो हम वैसे भी प्रत्यक्ष देखते ही रहते हैं, फिर उन्हें किसी चित्र या शिल्प के रूप में देखने कोई क्यों जाए?

डॉ तरुणा माथुर की एक पेंटिंग।

पिकासो ने एक बार इस बात पर आपत्ति की थी कि लोग उससे उसकी पेंटिंग का अर्थ क्यों पूछते हैं? पर उसने कभी खुद से यह सवाल किया होता कि वह अपनी रचनाओं को एक नाम क्यों देते हैं तो उन्हें अपनी बात का जवाब मिल जाता।

पिकासो अपनी एक पेंटिंग के साथ।

भारतीय कला में हम देखते हैं कि बहुत सारे कलाकार अपनी रचनाओं को कोई शीर्षक नहीं देते हैं, हालांकि ऐसा न करने का कारण कुछ और होता है, जैसे ज्यादातर को कोई ऐसा शीर्षक नहीं सूक्षता है जो उपयुक्त हो, या इसलिए कि एक ही जैसी रचनाओं के लिए अलग-अलग शीर्षक तय करना बहुत मुश्किल है। बहुत से कलाकार शीर्षक के लिए दूसरों से विचार-विमर्श भी करते हैं। कितने ही कलाकारों को उनकी रचनाओं के शीर्षक मैंने स्वयं दिये हैं। हालांकि शीर्षक हो यह बहुत जरुरी नहीं है, क्योंकि दर्शक के लिए कलाकृति के दृश्यात्मक तत्व ही पर्याप्त होते हैं जिनसे वह अपने दृश्यात्मक अनुभव को विस्तार देते हुए रचना के अपने अर्थ की खोज करता है। फिर भी उसके सामने एक शीर्षक होता है तो उसके लिए आसानी हो जाती है।

कला को देखने के लिए धैर्य की आवश्यकता होती है। 

कला को देखना अपने आप में एक कला है, जो गैलरी में आने वाले सभी लोगों के पास नहीं होती है। कला प्रदर्शनी में बहुत से ऐसे लोग भी अचानक चले आते हैं जिन्हें पहले से कला को देखने का अनुभव नहीं होता है, या जिनके पास कला को लेकर बहुत समझ नहीं होती है। उनके पास रंगों, रेखाओं और विभिन्न रुपों को लेकर किसी तरह की अन्वेषणात्मक चेतना नहीं होती है। उनके लिए रंगों के अर्थ भी सीमित होते हैं। इसके बाद भी ऐसे लोग कला प्रदर्शनी में आते हैं और कला को देखने व समझने की कोशिश करते हैं, और इसमें अक्सर वह कलाकार की मदद भी चाहते हैं।

एक कला प्रदर्शनी के दौरान कलाकार से बात करते दर्शक।

दर्शक चाहते हैं कि जो कुछ वह देख रहे हैं, उसका कुछ अर्थ अवश्य है जिसे वह यदि समझ नहीं पा रहे हैं तो कोई ऐसा रास्ता हो जो उनकी मदद कर सके। रचनाओं के शीर्षक और क्यूरेटर का आलेख ऐसे रास्ते हैं। आजकल गैलरियाँ और कलाकार अपनी प्रदर्शनी में वॉकथ्रू का कार्यक्रम रखते हैं, या कला पर संवाद का कार्यक्रम रखते हैं। यदि कला में अर्थ की कोई आवश्यकता नहीं है तो ऐसे कार्यक्रमों की आवश्यकता ही क्यूं है? आश्चर्य की बात नहीं कि ऐसे कई कार्यक्रमों में वह लोग वक्ता के रूप में उपस्थित रहते हैं जो कला को सिर्फ देखने की वस्तु मानते हैं, विचार और अर्थ की नहीं। जो कहते हैं कि पेंटिंग पढ़ने की नहीं देखने की चीज है, पर मौका मिलते ही वह खुद पेंटिंग को पढ़ने और पढ़ाने लगते हैं।

एक कला प्रदर्शनी में कलाकार और दर्शक।

मेरी कला को सिर्फ देखकर उसका आनंद लीजिए कहने वाले कलाकार अक्सर अखबारों और पत्रिकाओं में अपनी कला पर कुछ न कुछ छपवाते रहते हैं। वह कला समीक्षकों को बुलाकर अपना काम दिखाते हैं, उनसे लिखने को कहते हैं, कुछ संपन्न कलाकार और गैलरियाँ किताबें लिखवातीं व प्रकाशित करती हैं, यह सब क्यों यदि कला में किसी प्रकार के अर्थ की तलाश की आवश्यकता नहीं है या कला को पढ़ने की जरूरत नहीं है। फिर कलाकार के जीवन, उसकी रचना प्रक्रिया, उसके माध्यम, उसके संघर्ष आदि के बारे में लोगों को बताने की जरुरत क्यों है? 

राशिद अहमद की एक पेंटिंग।

मनुष्य स्वभाव से ही दोहरी मानसिकता रखता है, एक तरफ वह अपने आपको विभिन्न माध्यमों से व्यक्त करना चाहता है, दूसरी तरफ चाहता है कि उसकी अभिव्यक्ति को लेकर उसे किसी तरह के सवालों का सामना न करना पड़े, वह रहस्यमय बनी रहे, कलाकारों पर भी यह बात लागू होती है। आज ऐसे कलाकारों की संख्या बढ़ती जा रही है जो इस बात को बड़े गर्व से कहते हैं कि उनका काम रचना है, रचना का अर्थ बताना नहीं, यदि उनकी रचना का कोई अर्थ लोगों की पकड़ में नहीं आ रहा है, उसे कोई समझ नहीं पा रहा है तो यह उनकी समस्या है। इसके लिए लोग समाज में कला चेतना के अभाव को भी दोषी देते हैं। पर, इसके लिए जिम्मेदार कौन है? और इस स्थिति को बदलने में क्या कलाकारों की कोई भूमिका नहीं होनी चाहिए?

-डॉ. वेद प्रकाश भारद्वाज

बिंदु में समाहित संसार: राशिद अहमद की ‘बिंदुः डॉट्स सीरिज’”

राशिद अहमद अपनी पेंटिंग्स के साथ। फोटोः प्रवीण महतो

एक बिंदु में सब कुछ समाहित है—यहीं से सृष्टि का आरंभ होता है और अंत भी उसी में विलीन हो जाता है। विज्ञान के सुक्ष्मदर्शी विश्लेषण से लेकर अंतरिक्ष से सृष्टि के अवलोकन की सुक्ष्मता व उसका अनंत विस्तार इसी बिंदु का विस्तार है। इसी दार्शनिक अवधारणा को अपनी कला में विस्तार देते हैं कलाकार राशिद अहमद। उनकी एकल प्रदर्शनी “बिंदुः डॉट्स सीरिज” का उद्घाटन 2 मई 2026 को इंडिया इंटरनेशनल सेंटर की एनेक्सी गैलरी में हुआ।

प्रदर्शनी के उद्घाटन के अवसर पर सुषमा बहल, राशिद खान, डॉ वेद प्रकाश भारद्वाज, अनूप कामथ, पूर्व विधायक दुर्गेश पाठक और अन्य अतिथि।  

प्रदर्शनी के उद्घाटन अवसर पर मुख्य अतिथि के रूप में क्यूरेटर एवं कला समीक्षक सुश्री सुषमा बहल उपस्थित थीं। इस अवसर पर क्यूरेटर अनूप कामथ, डॉ वेद प्रकाश भारद्वाज और श्री दुर्गेश सहित अनेक कला-प्रेमी मौजूद रहे। कलाकार अरुण बोरा, उमाशंकर पाठक, इबरार अहमद, अनामिका एस और क्यूरेटर प्रवीण महतो सहित अनेक कलाकारों और कला प्रेमियों की उपस्थिति ने आयोजन को और समृद्ध बनाया।

प्रवीण महतो, राशिद अहमद, अरूण बोहरा, उमा शंकर पाठक, डॉ वेद प्रकाश भारद्वाज और अनूप कामथ।

राशिद अहमद की कला में गहरे रंगों—विशेषकर काले और भूरे—की प्रधानता है, जिनके माध्यम से वे ऐसी दृश्यावली रचते हैं जिसमें एक ओर प्रत्यक्ष जगत का आभास होता है, तो दूसरी ओर रहस्य की गहराई भी बनी रहती है। उनकी कई रचनाओं में नीले रंग के साथ ही भूरे रंग की हल्की-गहरी रंगतों का प्रयोग भी है जो उनकी कला को विस्तार देता है। राशिद समस्त ब्रह्मांड—जिसमें मनुष्य भी शामिल है—को एक ‘बिंदु’ के रूप में देखते हैं, और इस दृष्टि से आकार के निराकार हो जाने की चेतना को व्यक्त करते हैं। कोई भी परिचित आकार उनकी रचनाओं में अनुभूति के स्तर पर ही जागृत होता है, उसे उसके भौतिक रूप के स्थान पर सार-तत्व के रुप में ही देखा-समझा जा सकता है। 

कैनवास पर गतिमान रेखाओं के साथ बिंदु का एक दिशा से दूसरी दिशा में विस्तार, उनके आकारों में भिन्नता सृष्टि की गतिशीलता की अभिव्यक्त है। वह कहते हैं कि कैनवास पर जो रेखाएँ हैं, वह यात्रा है। यदि यह कहा जाए कि उनके कैनवास पर जो रेखाएँ हैं, वह किसी नक्शे की तरह पृथ्वी को विभाजित करती हैं, तो कुछ गलत नहीं होगा। उनकी रचनाएँ इसी अनुभूति के साथ जीवंत होती हैं कि उनमें मानव सभ्यता की यात्रा समाहित है, और इस चराचर संसार की गति का प्रतिकात्मक अंकन भी है। उनकी रचनाओं में परतों का अत्यधिक महत्व है। अक्सर एक परत के पीछे से दूसरी परत झांकती दिखाई देती है। राशिद इसे जीवन के अनुभवों से जोड़ते हैं। उनके अनुसार व्यक्ति की जितनी उम्र होती है, उतने ही वर्ष की परतें उसके व्यक्तित्व का हिस्सा होती हैं। कई बार सतह पर जैसे कुछ खुरचा गया प्रतीत होता है, क्या यह जीवन की विकट स्थितियों की खरोंच हैं, कहना मुश्किल है।

उनकी कला किसी डिजाइन-प्रधान संरचना की बजाय भाव और विचार के स्तर पर संवाद करती है। उनकी रचनाएँ एकरेखीय दृश्यात्मक अनुभव को अस्वीकार करते हुए बहुस्तरीय अर्थों और व्याख्याओं की संभावना खोलती हैं। एक्रेलिक और ऑयल रंगों के साथ-साथ कपड़ा, पेपर और रेत जैसे माध्यमों का प्रयोग उनके कार्यों में गहराई और उभरे हुए टेक्सचर को जन्म देता है जो दर्शकों को आकर्षित करता है।

इस अवसर पर सुषमा बहल ने कहा कि राशिद की रचनाओं में पृथ्वी, जल, आकाश, पहाड़ और वृक्ष—सभी तत्व एक साथ आभासित होते हैं, मानो समूचा प्रकृति-तंत्र एक ही बिंदु में सिमट आया हो।